El circulo cromático o rueda de colores, es una representación ordenada de los colores en un círculo, donde podemos observar su organización básica, así como la interrelación de los mismos.

Los modelos se han ido actualizando a lo largo de la historia. Todos hemos jugado en el colegio a mezclar los colores Rojo, Amarillo y Azul, para conseguir el resto de colores, (mezclando el rojo con el amarillo conseguimos el color naranja, mezclando el azul y el amarillo conseguimos el color verde, etc.). Este sería el círculo cromático clásico de pigmentos naturales, la llamada coloración tradicional o RYB. Este esquema se remonta al siglo XVI y ya no se usa a nivel práctico, reemplazado por el CMYK. Sin embargo, se sigue enseñando en las escuelas de bellas artes y diseño gráfico.

Los modelos más actuales surgieron tras la aparición de la fotografía en color y están basados en los estudios de Newton sobre la luz. Conllevan mayor precisión en la representación cromática. Aunque las teorías del color son hoy en día tema de debate y estudio, se han establecido dos modelos generalizados, ¿te acuerdas lo que hemos visto de Color Luz y Color Pigmento? Pues es exactamente eso. Estos modelos se diferencian por sus colores primarios, y la forma de actuar estos entre sí: el modelo RGB (modelo aditivo, “el usado en las pantallas de ordenador”) y el modelo CMYK (modelo sustractivo “el usado en la impresión”).

El Modelo Aditivo (RGB) cuyos colores primarios son el Rojo, Verde y Azul. Son los colores producidos por la luz. Las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible. En este modelo el blanco sería la suma de los tres colores primarios de la luz y el negro la total oscuridad.

El modelo Sustractivo (CMY) cuyos colores primarios son el Cyan, Magenta y Amarillo. La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro. Y el blanco es la ausencia de cualquier color, asumiendo que el sustrato (en nuestro caso el papel) sea blanco.

En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le agrega pigmento negro formándose el conocido como espacio de color CMYK. Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como cuatricromía se basan en la síntesis sustractiva CMYK. (Puedes ampliar información sobre este tema en nuestro artículo de tramas de impresión)

De acuerdo a este planteamiento en una rueda de color partimos de los llamados colores primarios, que son el origen de todos los demás, son colores que se consideran absolutos y no pueden crearse mediante la mezcla de otros colores. Como ya hemos visto, cada modelo tiene sus propios colores primarios.

Los colores secundarios se obtienen al mezclar por igual dos colores primarios.

Los colores terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un color primario y de un secundario adyacente.

El blanco y el negro son colores acromáticos o neutros, no posen ni tono si saturación, solo luminosidad, y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, sin embargo el negro y el blanco son colores opuestos que al combinarse forman el gris, que también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado «círculo cromático en escala a grises» o «círculo de grises».

Clasificación de colores:

Colores cálidos: Los colores cálidos son aquellos que transmiten una sensación de calor, como los rojos, naranjas o amarillos. Se dice que mientras más rojo tenga un color en su composición más cálido será.

Colores fríos: Los colores fríos son aquellos que transmiten una sensación térmica de baja temperatura, como los azules, verdes o morados. Se dice que mientras más azul tenga un color en su composición, más frío será.

Como acabamos de ver, a través de los colores se pueden transmitir diferentes emociones y sensaciones, por lo que tienen un papel fundamental en el diseño, la decoración, las artes y la publicidad. A esto nos referimos con el nombre de psicología del color.

Combinaciones de colores:

Colores complementarios: Los colores complementarios son cualesquiera dos colores que estén directamente opuestos entre sí en la rueda de colores, como rojo y verde y rojo-púrpura y amarillo-verde. Se hacen parecer más brillantes entre sí, ya que los colores complementarios crean un contraste simultáneo, los mayores contrastes disponibles en la rueda de colores. Puedes mezclarlos para crear tonos neutros efectivos o combinarlos para crear sombras.

Colores complementarios divididos, ó Splid complementario: Es una variación del esquema de color complementario. Los colores divididos complementarios consisten en el color base y los dos colores adyacentes a su complemento. Tal esquema es tan contrastante como el esquema de color complementario pero tiene menos tensión. Los colores divididos y complementarios son más armoniosos, por eso los principiantes pueden aplicarlos fácilmente.

Colores análogos: Los colores análogos son idealmente de 2 a 3 colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores. A menudo, estos son esquemas de color que se encuentran en la naturaleza, son armoniosos y agradables a la vista. Si bien utiliza colores análogos para encontrar buenas combinaciones de colores, asegúrese de que tengan suficiente contraste.

Colores tríadicos: Tales colores están espaciados uniformemente alrededor de la rueda de color. Estos colores tienen un fuerte contraste y se ven bastante dramáticos. No es fácil encontrar armonía, así que deje que un color domine y use los otros dos para el acento.

Colores tetraédricos (o rectangulares): El esquema de color rectangular o tetraédrico consta de 4 colores, dos pares complementarios. El esquema de color tetraédrico funciona mejor si dejas que un color sea dominante.

Colores cuadrados: El esquema de color cuadrado es similar al rectángulo, pero con los cuatro colores espaciados uniformemente alrededor del círculo de color. Además, no hay necesidad de un color dominante, este esquema funciona mejor si todos los colores están uniformemente equilibrados. Por ejemplo: naranja, amarillo-verde, azul y violeta.

Hay otras formas de usar una rueda de color, pero estas 6 combinaciones de colores son básicas y pueden ser aplicadas por principiantes que buscan armonía en sus diseños.

En próximos post, hablaremos de la psicología del color. Como nos influyen y como utilizarlos.

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Al igual que los colores, la tipografía nos transmite emociones y sensaciones, por eso es importante su elección, y adecuarla al mensaje que queremos lanzar.

Quizá este ejercicio te ayude a entenderlo:

Mira estas tres tipografías, y piensa cual sería la más adecuada para una guardería, un bufete de abogados, y una empresa tecnológica.

Seguramente hayamos coincidido en la respuesta, y nos hemos imaginado algo así:

Como hemos visto en este ejercicio, no se usa el mismo «tipo» o «fuente» para el rótulo de una guardería que para las comunicaciones de un despacho de abogados, o una publicidad de una empresa de tecnología. Diversos estudios demuestran, que las personas asociamos la forma de la letra con determinadas actitudes: seriedad, alegría, elegancia, flexibilidad, rudeza… a este fenómeno se le conoce como psicología de la tipografía.

Tal vez te hayas dado cuenta de que en ocasiones mezclamos el termino tipografía y fuente, (como en el ejercicio anterior). Veamos entonces que es una tipografía.

Para ello nos remontaremos a sus orígenes… La palabra tipografía proviene del griego “typos”, que significa forma e impresión y “graphia”, que significa escritura.

Se define como el arte y la técnica de organizar «tipos» para que el lenguaje escrito sea efectivo a la hora de ser impreso. Esta gestión implica seleccionar una fuente, organizar los caracteres y repartir el espacio.

Una fuente originalmente era una figura con un tamaño, peso y estilo o tipo de letra. En el uso moderno, fuente, del inglés “font”, es el conjunto de modelos (letras, signos y otras marcas) que representan a cada uno de los caracteres de una letra, con base en un diseño particular.

En el pasado, la tipografía era una especialidad y una profesión reservada solo para algunos. Los primeros tipógrafos hacían sellos y monedas utilizando troqueles. Hasta entonces, estaba muy claro quién era un tipógrafo y de qué trataba la profesión.

Nosotros le atribuimos la confusión a la digitalización de las fuentes debido al nacimiento de la informática y a Apple porque cuando se lanza por primera vez la Macintosh en 1984, una de las muchas maneras en que fue revolucionaria era al permitir que los usuarios eligieran entre algunas pocas fuentes. Ahora, la tecnología y los ordenadores han generado una democratización de la tipografía, poniendo la técnica al alcance de muchos diseñadores y no diseñadores.

Apple crea TrueType en 1991 e incluso lo licenció a Microsoft, que introdujo las fuentes TrueType con Windows 3.1. De pronto, millones de usuarios utilizaban tipos de letra únicos, sofisticados y escalables creados por los mejores diseñadores de fuentes del mundo.

En función de su morfología podemos catalogar las tipografías en cuatro grandes grupos.

• Serif
• Sans Serif
• Manuscritas o Script
• Decorativas o de Fantasía

 Una forma de clasificar las letras es según tengan o no «serifas ó gracias». Se entiende por serifas, gracias o remates, las pequeñas líneas que se encuentran en las terminaciones de las letras, principalmente en los trazos verticales o diagonales.

Las fuentes Serif se refieren a las fuentes que tienen esos pequeños detalles decorativos al final de los trazos. En algunas situaciones, las fuentes serif también se conocen como «romanas». La fuente serif más común es Times New Roman.

Se dice que las gracias hacen que las letras individuales sean más distintivas y nuestro cerebro puede dedicar menos tiempo a reconocer las letras, por lo que se considera que las fuentes de Serif son más fáciles de leer en material impreso, como libros y periódicos, donde se usan más.

Este tipo de letra es muy apropiado para la lectura de textos largos. La utilidad de las serifas es facilitar la lectura, ya que estas crean en el ojo la ilusión de una línea horizontal por la que se desplaza la vista al leer. Las tipografías con serif como Playfair Display o Roboto Slab, tienen una personalidad muy fuerte.

Son muy elegantes, sobre todo aquellas que tienen más contraste de trazos (es decir, aquellas en las que en una misma letra hay líneas más gruesas y más finas).

Las solemos percibir como tradicionales, serias, respetables, institucionales o corporativas.

Algunos ejemplos son: Book Antigua, Courier, Garamond, Times New Roman y Palatino.

Como acabamos de ver, el término “Serif” se refiere a los pequeños adornos decorativos al final de los trazos. Y la palabra «Sans» significa «sin» en francés. Así que una fuente sans serif es aquella que no tiene los adornos pequeños al final de los trazos. Las fuentes Sans serif también se conocen como de palo seco, grotescas o góticas.

En comparación con las fuentes serif que generalmente se consideran tradicionales y familiares, las fuentes sans serif son modernas y audaces. Por lo tanto, las fuentes sans serif son buenas para titulares y textos cortos que requieren atención pero no para cuerpos o bloques de texto grandes. Otra característica de las fuentes sans serif son sus formas menos complejas, que harán menos pixilaciones y distracciones. Por lo tanto, se muestra bien en pantallas, y son las tipografías habituales en las páginas de internet.

Transmiten modernidad, seguridad, alegría, neutralidad o minimalismo.

Algunas de las fuentes más conocidas de esta familia: Arial, Bauhaus, Tahoma, Verdana. o Helvética.

Las fuentes “script” se crearon tomando como base los trazos fluidos y variados propios de la escritura a mano. En general, existen dos estilos de letra “script”. Uno es el formal, muy parecido al de la letra cursiva. Este tipo de escritura imita las formas de las letras usadas por los maestros calígrafos de los siglos XVII y XVII, y parecen escritas con pluma de ave o plumilla de metal. Las fuentes “script” de este tipo se suelen emplear en invitaciones elegantes, tarjetas de felicitación, certificados y bodas. El otro estilo de letra “script” es la casual, que tiende a ser menos formal, más distendida y de trazos más anchos. Este estilo casual se puede apreciar en publicidad y en el sector del entretenimiento.

Se suelen utilizar para títulos o firmas solamente, ya que sus trazos más finos pueden llegar a desaparecer y hacer que pierda legibilidad el texto. Las tipografías script, como Pinyon Script o Parisienne, se caracterizan por tener ligaduras en las letras (es decir, que las letras van ligadas unas con otras). Son elegantes y, por tanto, eso es lo que transmiten: elegancia, lujo, calidad, incluso afecto y creatividad.

Algunos ejemplos son la Gótica, Brush, Cylburn, Vivaldi y Edwardian Script.

Por ultimo, las decorativas son tipografías que no se ajustan a ninguna de las clasificaciones anteriores y que casi siempre se han creado con un fin específico, donde la legibilidad no se ha tenido demasiado en cuenta.

Se caracterizan por tener una personalidad muy fuerte, y por tanto, ser muy únicas. A menudo presentan una gran carga expresiva, a través de atributos temáticos. Definitivamente, no son tipografías adecuadas para bloques de textos. Su principal ventaja es que pueden transmitir muchas sensaciones y adaptarse muy bien a tu proyecto.

Aquí encontraremos por ejemplo, Esténcil, Art Nouveau, Pop Art o Grune.

En toda tipografía podemos distinguir una serie de elementos, a eso comúnmente se le denomina Anatomía de la tipografía.

Hay algunos conceptos relacionados con las letras que deberías conocer.

• Altura de x: se refiere a cuánto miden las letras minúsculas, excluyendo las ascendentes como la ‘f’ y descendentes como la ‘g’.
• Altura de las mayúsculas: se refiere a cuánto miden las letras de caja alta.
• Asta: rasgo principal de la letra que la define como su forma o parte más esencial.
• Asta montante: son las astas principales de una letra, como la ‘A’.
• Ápice: es la unión de dos astas en la parte superior de una letra.
• Asta transversal: rasgo horizontal de las letras, como en la ‘A’.
• Cartela: es la parte curveada de una serifa que la conecta al asta.
• Asta ascendente: asta que contiene la letra de caja baja y que sobresale por encima de la altura x, como en la ‘k’.
• Brazo: parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no se encuentra incluida dentro de la letra, tal como se ve en la letra ‘k’.
• Remate: son pequeños adornos ubicados generalmente en los extremos de las líneas de los caracteres.
• Ligadura: es la unión de dos o más elementos de la letra, como en la ‘g’.
• Hombro o anillo: es el asta curva cerrada que se forma, por ejemplo, en la ‘g’.
• Bucle: parte inferior de la ‘g’ minúscula cuando esta es una forma cerrada.
• Oreja: es la terminación que se le añade a algunas letras tales como la ‘g’.
• Asta descendente: asta de la letra minúscula que se encuentra por debajo de la línea de base, como ocurre con la letra ‘p’.
• Lágrima: final de una letra con serifas que termina en un remate redondeado.
• Cola: asta oblicua colgante que forman algunas letras, como la ‘j’.
• Asta ondulada o espina: es el rasgo principal de la letra ‘s’ mayúscula o minúscula.
• Aguijón: así se designan las partes finales, superior e inferior de las letras como la ‘s’.
• Ojo: denominación resultante de nombrar la parte central del ojo del carácter en sentido vertical.
• Cola curva: asta curva que se apoya sobre la línea de base o debajo, como en la ‘Q’.
• Cuerpo: altura de la letra, correspondiente en imprenta a la pieza metálica en que está montada la letra.
• Línea base: la línea sobre la que se apoya la altura.

Por ultimo nos gustaría incluir un par de infografías que ilustran claramente lo que hemos visto en este post.

Infografía: Anatomía de la Tipografía. (autor: hemisferiodigital)

Infografía: Clasificación de la Tipografía. (autor: bola8design)

y una curiosa… La tabla periódica de la tipografía. (autor: Rodrigo Picazo)

Espero que os haya gustado.

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